Detrás de la magia: cómo Hocus Pocus se convirtió en un clásico de Halloween

Antes de convertirse en el clásico de Halloween que conocemos hoy, Hocus Pocus pasó por un viaje tumultuoso y una larga evolución. Algunos elementos clave—la dedicación del elenco, el esmerado refinamiento del guión, el uso innovador de efectos especiales, y la dirección creativa del equipo—se unieron para crear una película que, aunque inicialmente fue ignorada, finalmente encontraría su lugar como un clásico de Halloween. El legado de Hocus Pocus es un testimonio de la pasión y creatividad de todos los involucrados en su creación, demostrando que la magia del cine a menudo radica en el esfuerzo, la innovación, y la confianza en que la historia tiene el poder de cautivar y resonar con el público. Tras superar muchos desafíos, la película resurgió como un fenómeno cultural inigualable, capturando los corazones de las audiencias año tras año.

Hocus Pocus nació de un amor por la festividad de Halloween que echó raíces mucho antes de que la trama tomara forma. Desde temprana edad, el creador David Kirschner había estado obsesionado con esta festividad, pasando su infancia construyendo casas embrujadas junto a su mejor amigo. Con los años, este amor solo creció. Hombre de familia y apasionado por todo lo espeluznante, Kirschner crió a sus hijos entre cuentos terroríficos—aquellos que encienden la imaginación infantil.

Incluso creó un juego familiar llamado “Hide and Go Freak” en el que, con las luces apagadas, la chimenea encendida y música clásica de fondo, interpretaba a un asesino desquiciado que perseguía a sus hijas por toda la casa. A sus hijas y, ahora, a sus nietos, les encanta el juego. Aunque los gritos a veces lo hacían preguntarse qué pensarían los vecinos, Kirschner cree firmemente que las historias de miedo son buenas para la imaginación de los niños.

Con el tiempo, Halloween se convirtió en una celebración muy elaborada en su hogar, con atracciones de casas embrujadas que incluían actores, guillotinas y hasta sillas eléctricas de utilería. Cada año, recibían a más de 100 niños y sus padres para una fiesta en la que todos iban disfrazados. Halloween, para David, era pura magia: una oportunidad para ser cualquier cosa sin temor al juicio de otros. En sus propias palabras, su familia era “un poco como la familia Addams”, disfrutando de la diversión y la libertad de esta espeluznante festividad.

El camino de David Kirschner en la industria del entretenimiento comenzó con una sólida formación en artes en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California. Con un pincel en la mano y una visión en mente, inició su carrera diseñando portadas de álbumes, especialmente para The Jazz Singer de Neil Diamond. Al mismo tiempo, ilustraba personajes para Jim Henson, el legendario titiritero y creador de los Muppets, conocido por su enfoque innovador y su capacidad para dar vida a personajes entrañables que dejaron una huella imborrable en la cultura popular.

Aunque comenzó en la ilustración, David estaba decidido a crear, producir y escribir su propio contenido de entretenimiento. Cuando le preguntaban cómo se definía—si era ilustrador, escritor o productor—se negaba a elegir solo uno; todos estos roles eran herramientas distintas que le ayudaban a expresar historias que sentía que no podían contarse sólo con palabras. Al igual que Jim Henson, aspiraba a crear obras que llevaran sonrisas y alegría al mayor número de personas posible.

Para Kirschner, la gran oportunidad llegó en 1986, cuando creó y produjo An American Tail, un proyecto que marcó un hito importante en la historia de la animación. Esta película, que contó con Steven Spielberg como coproductor ejecutivo, se convirtió en el largometraje animado no producido por Disney más taquillero de su época, dando lugar a una exitosa franquicia que incluyó secuelas, una serie de televisión y adaptaciones directas para video.

Gracias a este éxito, la carrera de Kirschner dio otro giro significativo en 1989, cuando fue nombrado presidente de Hanna-Barbera Productions. Allí escribió, creó y produjo ejecutivamente una variedad de películas, especiales y programas, entre ellos Wake, Rattle & Roll, Gravedale High y The Pirates of Dark Water. Su talento para la narrativa y la innovación también lo llevó a crear el infame muñeco animatrónico Chucky, un personaje que se ha convertido en sinónimo de terror y que protagoniza la perdurable franquicia homónima. A través de su trabajo, se esfuerza por brindar a los espectadores una experiencia que los lleve del miedo a la risa y las lágrimas, capturando el espectro completo de emociones, tal como soñó desde hace tantos años.

La carrera de Kirschner nunca ha estado marcada por el éxito instantáneo, ni ha experimentado la emoción de un triunfo de la noche a la mañana; siempre ha sido un viaje. Originalmente, él había intentado vender An American Tail a Disney, pero esta oferta fue recibida con una pregunta despectiva: “¿Quién querría ver una película sobre un ratón judío?”. Sin embargo, después del notable éxito de taquilla de la película, Kirschner recibió un mensaje de Jeffrey Katzenberg, entonces presidente de Disney, que decía: “Querido David, ahora sé quién querría ver una película sobre un ratón judío”.

Este momento crucial en la carrera de David Kirschner marcó un cambio significativo en la percepción de Disney, ya que reconocieron la oportunidad perdida de un proyecto innovador. Ansiosos por colaborar con Kirschner, el estudio expresó interés en explorar más de su visión creativa. Aprovechando esta ola de renovado entusiasmo, David presentó Hocus Pocus, un concepto novedoso en ese momento, ya que nadie había producido una película familiar sobre Halloween hasta el momento.

Para la presentación, Kirschner transformó la sala en una escena de Halloween. Su esposa compró veinte libras de caramelos de maíz y contaron con la ayuda de los niños del vecindario, quienes crearon decoraciones de fantasmas, duendes, brujas y un gato negro. Cuando los ejecutivos de Disney entraron, fueron recibidos por las imágenes, los aromas y la nostalgia de Halloween. Kirschner comenzó con una declaración convincente: Halloween era una industria de mil millones de dólares y no se había hecho ni una sola película de Halloween apta para toda la familia. David aún dudaba que fueran a aceptar la idea, pero su presentación excéntrica y su visión convincente llevó a los ejecutivos de Disney a comprar Hocus Pocus. Aún así, pasarían casi nueve años antes de que la película finalmente llegara a la pantalla.

La película experimentó transformaciones significativas a lo largo de sus ocho años de desarrollo, con la participación de alrededor de once guionistas diferentes. En un principio, Hocus Pocus se titulaba Halloween House, pero a medida que la visión de la película se orientaba hacia una narrativa más adecuada para niños, quedó claro que era necesario un cambio de nombre, dando paso al ahora icónico título.

Mick Garris escribió el primer borrador y Neil Cuthbert contribuyó con algunos momentos cómicos, pero la verdadera magia de la película nació en el set de rodaje con las tres hermanas. Su química y sentido del ritmo cómico crearon momentos que iban más allá de lo escrito en el guión, y la interpretación de Bette Midler aportó un encanto único y enérgico a sus líneas. Como recuerda Kirschner, “sea lo que sea lo que esté en la página, no tienes idea de lo que va a pasar cuando alguien con ese tipo de talento toma el material”.

Una de las características más destacadas de la película fue la meticulosa elaboración de sus escenarios y efectos. Para crear el encantador mundo de Hocus Pocus, el equipo construyó la emblemática cabaña de las hermanas Sanderson y el cementerio que la rodea, algo poco común en la industria, ya que muchas películas optan por fondos menos tangibles. Este compromiso con la autenticidad añadió profundidad y riqueza a la atmósfera de la película, haciendo que el mundo de Hocus Pocus se sintiera más auténtico e inmersivo.

Los cineastas emplearon una variedad de técnicas para lograr las escenas con las brujas voladoras, yendo más allá de los títeres y dobles de riesgo. Creían que el uso exclusivo de medios mecánicos le quitaría magia a la película. En su lugar, las actrices principales—Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy—se sumergieron en extensos ensayos, volando durante cuatro horas al día, cinco días a la semana. Cada actriz entrenó de forma individual, ya que el director—Kenny Ortega— buscaba fomentar una conexión personal entre cada actriz y su escoba. Este enfoque les permitió desarrollar sus estilos únicos y aportar un encanto auténtico a sus actuaciones.

Los memorables objetos de utilería en Hocus Pocus formaron parte de la visión creativa de David desde el principio. Durante su presentación original con los ejecutivos de Disney, utilizó una vela adornada con papel quemado, dibujos espeluznantes y frases en latín (que, según el propio David, probablemente no significaban mucho) que se convirtió en la vela de llama negra usada en la película para revivir a las brujas. También había llevado un viejo libro de ciencias que nunca había devuelto en la biblioteca local, que él y su amigo Tony Gardner transformaron en el querido y memorable Libro de Winnifred para la película.

Curiosamente, el proceso de casting tuvo sus propias historias de casi aciertos y audiciones únicas. Cuenta la leyenda que Leonardo DiCaprio fue considerado para el papel de Max, el protagonista de la película. Aunque finalmente no obtuvo el papel, el director Kenny Ortega recuerda con cariño su encuentro. “Fue justo al comienzo de su carrera”, compartió Ortega, recordando el carisma de DiCaprio y la emoción de conocerlo en aquellos primeros días.

Doug Jones, quien interpretó al resucitado Billy Butcherson, tuvo una audición particularmente inusual. Ortega, con una sólida experiencia como coreógrafo célebre, probó la fisicalidad de Jones en un estudio de danza, pidiéndole que encarnara a un personaje que acababa de despertar después de 300 años. Jones recordó la experiencia con entusiasmo: “Le encantó todo lo que hice. Se reía a carcajadas. ¡Y para cuando llegué a casa, ya tenía el papel!”.

Detrás de escena, la dedicación de Jones a la autenticidad se extendió a algunos elementos sorprendentes. La icónica escena en la que Billy se corta la boca para revelar polillas se logró con insectos reales. Jones compartió los desafíos técnicos involucrados en una entrevista: «Si se humedecen, no vuelan». El equipo tuvo que controlar cuidadosamente la humedad en su boca, utilizando un dique dental y una funda de látex para asegurarse de que las polillas estuvieran listas para su dramática salida en el momento justo. Aunque gran parte del elenco se apegó estrictamente al guión, Doug Jones se tomó la libertad de modificar una de sus líneas durante el rodaje. El guión original le pedía soltar una grosería tras cortarse la boca, pero él optó por una versión más juguetona: “¡Ramera! ¡Zorra! ¡Luciérnaga del infierno con dientes de conejo y voladora de escobas!” Este cambio se alineaba un poco más con el tono de la película y demostró la comprensión que Jones tenía sobre la audiencia y sobre el encanto de su personaje en la historia.

Al crear el humor de la película, el papel de los bullies, Ice y Jay, estuvo a punto de no llegar a la versión final. Inicialmente, se consideró que sus personajes eran innecesarios, pero las primeras reacciones del público mostraron que añadían un toque cómico que resonaba entre los espectadores. El público de prueba reconoció su valor para equilibrar los momentos más oscuros de la película, lo que llevó a su inclusión en el producto final.

En el corazón de la película, encontramos al director Kenny Ortega. Tranquilo y seguro de sí mismo, Kenny se convirtió en la base del proyecto, y David Kirschner depositó en él toda su confianza. Esta dinámica de colaboración fue crucial, especialmente cuando se trataba de decisiones creativas que podrían definir el filme. Una escena clave casi no se incluyó: la famosa interpretación de “I Put A Spell On You”. Aunque la idea de eliminarla fue de David, Kenny defendió esta escena a capa y espada, convencido de que funcionaría. Y tenía toda la razón; se convirtió en una de las escenas más emblemáticas de la película (y de Disney en general), marcando el tono de toda la historia.

El camino de Kenny Ortega para convertirse en un célebre director y coreógrafo comenzó con una pasión por la danza y el teatro que se arraigó en sus primeros recuerdos. Creciendo en Redwood City, California, Ortega veía a sus padres, hijos de la Segunda Guerra Mundial, bailar jitterbug y swing en su modesta sala de estar. Su alegría y libertad al bailar despertaron en él un amor por la actuación desde una edad temprana.

A pesar de no tener una formación formal en escuelas de artes escénicas, Ortega perfeccionó sus habilidades en el programa de teatro de la Sequoia High School. Actuó en obras de teatro y musicales durante todo el año e incluso trabajó como aprendiz en el Circle Star Theatre en San Carlos, donde absorbió la energía de los espectáculos de Broadway en gira. Su dedicación y talento finalmente lo llevaron a la fama con el musical de rock tribal estadounidense Hair, en el que interpretó a un personaje bisexual llamado George Berger, un papel que cambiaría su vida de maneras inesperadas.

Durante la gira de Hair en el sur de Estados Unidos, Ortega enfrentó discriminación por ser homosexual, y sufrió de un encuentro desfavorable que puso en peligro su carrera y su vida. En Carolina del Sur, fue blanco de un jefe de policía local que se sintió ofendido por los temas de la obra y el personaje de Ortega. El oficial plantó narcóticos en la habitación de hotel de Ortega, lo que llevó a un arresto bajo cargos falsos de drogas. El incidente atrajo la atención nacional y el nombre de Kenny Ortega apareció en la portada de Variety. Gracias a un juez que percibió el engaño, los cargos fueron retirados y el jefe de policía responsable del ataque fue destituido de su cargo. Aunque Ortega fue liberado, la experiencia lo dejó para siempre en alerta.

Poco después del incidente de Hair, salió del armario públicamente en The Advocate, respondiendo al llamado de la revista para que los actores se posicionaran a favor del cambio. Si bien sabía que esta decisión podría afectar su carrera, sintió la responsabilidad de representar su verdadero yo y de estar al lado de otros en la comunidad LGBTQ+. En Hollywood, donde la aceptación era muy limitada, forjó una carrera infundiendo su identidad y experiencias en su trabajo, creando historias con un espíritu inclusivo y de corazón abierto que llegó a definir su estilo.

Esa sensibilidad se convirtió en una característica definitoria de Hocus Pocus. Ortega imaginó a las hermanas Sanderson, interpretadas por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy, como personajes más grandes que la vida cuya energía exagerada se asemejaba a la de las drag queens. El dinámico trío de las hermanas Sanderson se volvió icónico, en gran parte gracias a la dirección visionaria de Ortega. Su compromiso con el tono lúdico y extravagante de la película infundió a cada escena una sensación de encanto caprichoso, permitiendo que sus personalidades exageradas brillaran y capturaran los corazones de los espectadores.

En su estreno, Hocus Pocus enfrentó críticas que desestimaron los personajes de las hermanas Sanderson, considerándolos vacíos y demasiado simplistas, una perspectiva que socavó las ricas interpretaciones de las actrices. Si bien algunos críticos se centraron en los rasgos superficiales, la verdad es que Bette Midler, Kathy Najimy y Sarah Jessica Parker abordaron sus papeles con un compromiso feroz y una profundidad que dio vida a las brujas. Infundieron a cada personaje peculiaridades únicas y personalidades distintas, convirtiendo a las hermanas en figuras memorables dentro de la tradición de Halloween. Estas talentosas actrices volcaron su corazón en los papeles, transformando lo que podrían haber sido caricaturas unidimensionales en íconos queridos.

En el período previo al estreno de Hocus Pocus, la actriz Kathy Najimy (quien interpreta a la bruja Mary Sanderson) hizo una aparición en The Today Show en 1993, donde habló con franqueza sobre su papel como Mary y sus reservas iniciales sobre interpretar a una bruja. Durante su entrevista con la presentadora Katie Couric, Najimy compartió sus preocupaciones sobre la posibilidad de ofender a las brujas reales y perpetuar estereotipos dañinos.

“A riesgo de que todo el país ponga los ojos en blanco, simplemente siento que apoyo a todos los grupos, ya sean grupos de mujeres, grupos LGBTQ+ o grupos raciales, y sé que hay grupos de brujas”, explicó Najimy, enfatizando su compromiso con la representación y la sensibilidad en su trabajo. Continuó: “ No conozco a ninguna bruja personalmente, pero cuando leí el guión, temí que estuviera perpetuando el estereotipo de una bruja fea y malvada. Sé que hay grupos de mujeres realmente fuertes que se unen, que son muy espirituales y poderosas, y deciden llamarse brujas. No quería ser parte de la perpetuación de ese mito tan negativo.”

Para abordar sus preocupaciones, Najimy buscó el consejo de la icónica activista Gloria Steinem, a quien se refirió como la “diosa del mundo que lo sabe todo.” Najimy contó la fascinante visión de Steinem, afirmando: “Originalmente, algunas de las mujeres que se decía que eran brujas eran trabajadoras de la salud y parteras. De ahí surgió la noción de comer bebés, ya que a veces practicaban abortos.” Este contexto histórico puso de relieve el malentendido que se había formado en torno a la imagen de las brujas a lo largo del tiempo.

A medida que se acercaba el estreno de Hocus Pocus, las expectativas de todo el equipo estaban altas, pero la realidad fue muy distinta. A pesar de ser una película con temática de Halloween, Hocus Pocus se estrenó en julio de 1993, lo que dio lugar a unos resultados de taquilla decepcionantes. Kirschner estaba desolado; había puesto todo su corazón en la película, un cuento para dormir que originalmente se contaba a sus hijos, una historia que representaba su infancia. Las críticas negativas lo golpearon con fuerza (fueron las peores de su carrera) y se encontró cuestionando su propio talento.

Tras su estreno, la recepción crítica de «Hocus Pocus» fue tibia en el mejor de los casos. Muchos críticos describieron la película como encantadora pero desigual, carente de la cohesión necesaria para atraer a su público objetivo. Los críticos destacaron su lucha por equilibrar el espíritu caprichoso de las películas para niños con los matices aventureros que buscaba el público adolescente, y finalmente no logró conectar con ninguno de los dos grupos demográficos. Si bien la película mostró momentos de diversión y fantasía, a menudo dio la impresión de que esos momentos eran más entretenidos para el elenco y el equipo que para la propia audiencia. Esta desconexión hizo que muchos críticos se preguntaran para quién estaba realmente hecha la película.

La actuación de Bette Midler como la bruja principal, Winifred Sanderson, se destacó entre las críticas, siendo a menudo elogiada por su ritmo cómico y su presencia enérgica. Sin embargo, algunos críticos sugirieron que su vibrante interpretación era un intento de compensar un guión percibido como débil y falto de profundidad. Una crítica particularmente dura comparó la apariencia de Midler con «una mezcla entre un hurón rabioso y María Antonieta en un mal día de cabello», desestimando el enfoque campy y exagerado de la película sobre la brujería.

A pesar de la ligereza que aportó Midler, junto con Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy, el guión no les dio a sus personajes la profundidad necesaria para brillar de manera consistente. Los críticos a menudo señalaron al elenco secundario de niños, en particular al personaje de Thora Birch, Dani, como el que llevaba gran parte del peso narrativo, cuestionando si la película tenía suficiente atractivo para los espectadores mayores.

Si bien unos pocos críticos elogiaron la energía de la película, muchos otros interpretaron esto como un símbolo de su incapacidad para mantener un tono narrativo consistente. Si bien reconocieron la atmósfera nostálgica de Halloween de la película, muchos sintieron que, en última instancia, dejaba a los espectadores con un ritmo errático y una trama mediocre.

En general, los críticos desestimaron Hocus Pocus como «una fiesta a la que no te invitaron», una película que parecía indulgente con sus creadores pero que no logró conectar con el público al que estaba destinada.

Todo parecía perdido, y en realidad, durante muchos años, lo estuvo. La película no había logrado tener un impacto significativo en su estreno inicial, cayendo silenciosamente en el olvido como un cuento de Halloween olvidado.

Pero la lucha de Hocus Pocus estaba lejos de terminar. Años más tarde, Disney transmitió la película en Disney Channel para Halloween, una tradición que continuaron al año siguiente, y con el tiempo la película ganó un seguimiento inesperado. Doce años después de su lanzamiento, había crecido en popularidad, y en el vigésimo aniversario, Disney realizó proyecciones en salas de cine que se agotaron en menos de quince minutos. Agregaron más funciones, y estas se agotaron con la misma velocidad.

A medida que el público redescubrió la película, esta se convirtió en un fenómeno cultural, celebrada por su humor campy, actuaciones memorables y su icónico espíritu de Halloween. El encanto excéntrico de las hermanas Sanderson sigue siendo querido por el público, con sus disfraces y personajes celebrados cada Halloween. Sus disparatadas payasadas y frases inolvidables han consolidado su lugar en la cultura pop, inspirando innumerables disfraces de Halloween, fan art y eventos temáticos.

Este resurgimiento dio nueva vida a la franquicia de Hocus Pocus, inspirando productos, eventos temáticos y una base de fans leales que acogieron con entusiasmo a las hermanas Sanderson. El sueño de David Kirschner de crear una película mágica de Halloween finalmente había encontrado su audiencia, demostrando que, a veces, incluso las mejores historias pueden tardar un tiempo en resonar.